Paperless Prints

Der Begriff „Grafik“ wird häufig für Editionen verwendet, was die Vorstellung verstärkt, dass es sich bei Editionskunstwerken um zweidimensionale Arbeiten auf Papier handelt. 
Mit Paperless Prints stellen wir zwei Neuerscheinungen von Peter Halley und Cory Arcangel vor, die alles andere als traditionelle Grafiken sind, und zeigen eine Vielzahl anderer Werke aus unseren Archiven, die zwar gedruckt wurden, aber nicht auf Papier. Diese Arbeiten brauchen oft keine Rahmen und kommen dreidimensionalen Objekten sehr nahe. 

P  E  T  E  R    H  A  L  L  E  Y 

Unsere neueste Zusammenarbeit mit Peter Halley, Glossary, basiert auf der ersten Heterotopia-Installation des Künstlers in Venedig für die Biennale 2019. Heterotopia ist ein vom französischen Philosophen und Historiker Michel Foucault definierter Begriff, der Räume beschreibt, die parallel zur Außenwelt existieren – Welten innerhalb von Welten, die die Außenwelt widerspiegeln und doch durcheinanderbringen, wie z. B. Gefängnisse und andere institutionelle Formen der Gefangenschaft. Halley verwendet in seinen Arbeiten häufig Gefängnisse, Zellen und Leitungen, die die diagrammatischen Regulierungspraktiken des modernen gesellschaftlichen Lebens darstellen und den Organisationssystemen, die wir von Computerchips bis hin zu Unternehmen, Gebäuden und Flughäfen finden, eine visuelle Form geben.
Wir haben mit dem Künstler darüber gesprochen, wie die Serie Heterotopia und diese Edition entstanden sind.

Pauline Schellmann: Hat das Werk deshalb den Titel „Glossary“ (deutsch: Glossar)?

Peter Halley: Ja, ich dachte, das bezieht sich auf die Idee der Hieroglyphen, dass dies ein Glossar von Symbolen ist. Natürlich sind sie nicht wirklich eine Sprache und bilden keine Syntax, aber ich denke, sie ähneln Ideogrammen oder Hieroglyphen genug, um diese Idee weiterzuführen. 

Schellmann: Die Herstellung dieser Edition war ziemlich kompliziert und ein langwieriger Prozess. Wir mussten die richtige Druckmethode finden – damit der Druck funktioniert, muss das Material perfekt flach sein; ein normales Aluminiumblech funktionierte also nicht, da es nie 100% flach ist. Daher haben wir ein relativ dünnes Aluminiumblech verwendet, das noch einigermaßen formbar ist, und es auf einen Vakuumtisch gelegt, um sicherzustellen, dass es vollkommen flach ist. Außerdem war es auch nicht einfach, die fluoreszierende gelbe Farbe genau nach deinen Anweisungen hinzubekommen. Aber es hat sich auf jeden Fall gelohnt, es ist ein so schönes Stück.

Halley: Ich weiß, wie viel harte Arbeit in Glossary steckt, und ich bin sehr dankbar dafür. Ich weiß nicht, ob die Leute das erkennen, wenn sie es sehen, weil es so gut aussieht. Wobei es in der Tat wie ein komplexes Objekt aussieht – ich bin jedenfalls sehr stolz darauf.

Schellmann: Es hat auf jeden Fall eine gewisse Komplexität, einfach weil es viel Tiefe und Textur hat.

Halley: Ein Großteil meiner Arbeit geht in Richtung Flachrelief. Wie du weißt, sind meine Gemälde und viele der Editionen, die ich gemacht habe, einschließlich der Glasfaser-Edition, die ich vor etwa 10 Jahren mit Schellmann gemacht habe, alle mit Flachrelief. Gewissermaßen denke ich, dass alle gute Malerei Flachrelief ist. Heutzutage neigen die Leute dazu, Gemälde als Bilder zu betrachten, aber sie sind auch Oberflächen. Wenn man an ein Gemälde von van Gogh denkt, denkt man noch vor dem Bild an die Textur der Pinselstriche, die darüber laufen. Oder Anselm Kiefer, da geht es vor allem um die Textur. Ich denke, das ist ein grundlegender Bestandteil der Malerei und ein Grund dafür, dass wir immer noch Gemälde und nicht nur Fotografien haben.

Schellmann: Wir lieben es, 3-dimensionale oder Relief-Editionen zu produzieren, weil sie die Werke interessanter machen und ihnen Komplexität verleihen. Die Werke, die du mit Schellmann veröffentlicht hast, sind auch in Bezug auf Größe, Medien und Dimensionalität sehr unterschiedlich.

Halley: Das liegt zum Teil daran, dass Jörg immer wieder neue Ideen für Editionen hat, was mir wiederum hilft, darüber nachzudenken, wie ich diese neue Art von Edition machen will. Ich denke an das Leporello, das ein einfacher Digitaldruck war, aber auf Reispapier gedruckt und gefaltet ist. Ich habe eines zu Hause und es fühlt sich fast wie eine japanische Grafik an. Ich hatte sehr viel Spaß daran, diese Arbeit zu machen. 

Ich bin auch deshalb so dankbar, weil ich es vermeide, Grafiken zu machen, die wie meine Gemälde aussehen, und Jörg war immer sehr offen für so etwas. In gewisser Hinsicht ist Beuys mein Held in der Druckgrafik, weil seine Projekte so abenteuerlich waren und jede Auflage etwas zu sagen hatte; sie waren nicht einfach Kopien von etwas anderem. Daher schätze ich diese Zusammenarbeit und die Tatsache, dass die Editionen gewissermaßen experimentell und nicht unbedingt oder in erster Linie kommerziell sind.

Schellmann: Gehört die Möglichkeit, auf diese Weise zu experimentieren, zu dem, was die Arbeit mit dem Medium der Editionen für dich interessant macht?

Halley: Ja, die Neugierde und das Erforschen neuer Wege, Dinge herzustellen. Bei fast jeder Edition, die ich gemacht habe, kamen nicht-traditionelle Techniken zum Einsatz. Ich habe nur eine Radierung und eine Lithografie gemacht. Ich bin dafür bekannt, dass ich schon früh mit digitalen Medien gearbeitet habe. Aber diese neue Edition war ein echtes Experiment, um dicke dreidimensionale Linien mit digitaler Tinte zu erzeugen. Wenn die Leute an Digitaldrucke denken, denken sie an flache Oberflächen. Für mich war dies eine Möglichkeit, mit den neuesten Flachbettdruckern zu experimentieren, um strukturierte Bilder zu schaffen.



 

C  O  R  Y    A  R  C  A  N  G  E  L

(RR) ist unsere erste Zusammenarbeit mit Cory Arcangel und basiert auf seiner Serie Photoshop Gradient Demonstrations, die seine Position als einer der führenden zeitgenössischen Künstler, der die Schnittstelle zwischen digitaler Technologie und Kunst erforscht, begründet hat. Lesen Sie unser Gespräch mit dem Künstler, um mehr über diese neue Serie von Editionen zu erfahren und warum es über 10 Jahre gedauert hat, bis diese Werke realisiert werden konnten.

Pauline Schellmann: Wir haben seit einiger Zeit deine neue Serie (RR) in unserer Galerie hier in München an der Wand hängen, und es ist jeden Tag ein Vergnügen zu sehen, wie sie ihr Aussehen je nach Lichteinfall verändern – künstliches oder natürliches, indirektes oder direktes Licht, und natürlich der Spiegeleffekt. Spiegelung und diese Art von Übergängen sind ein häufiges Thema in deinen Arbeiten – kannst du diese Wahl näher erläutern?

Cory Arcangel: Ich neige dazu, Dinge zu verwenden, die sich in meiner Umgebung befinden und die ich leicht erreichen kann. Diese spezielle Serie – die Serie Photoshop Gradient Demonstrations – begann in demselben Geist, weil diese Muster einfach in Photoshop eingebaut waren. Der Russel's Rainbow (daher der Titel der Serie) war ein Muster mit Regenbogeneffekt, das einfach in die Anwendung integriert war. Es war eine Art Faulheit, oder anders gesagt, eine Art "readymade" Geste, dass ich begann, diese Photoshop-Muster zu verwenden. 
Um 2010 herum habe ich versucht, einen Weg zu finden, sie auf einen normalen Spiegel zu drucken, indem ich eine der Farben durch „nichts“ ersetzte, daher das -B und -R in den Titeln. Ich habe mit kommerziellen Druckereien zusammengearbeitet, und wir haben es einfach nicht hinbekommen, also habe ich es fallen gelassen, bis ich die Idee hatte, es mit euch zu realisieren. Als Jörg [Schellmann] mich erneut kontaktierte, um eine Edition zu machen, war das das fehlende Puzzlestück, und ich konnte das Projekt endlich zu Ende bringen. 

Schellmann: Deine Titel sind sehr transparent und offenbaren den Code, den man in Photoshop eingeben würde, um das Bild zu erstellen. Außerdem aktualisierst du deinen Are.na-Kanal ständig, um mitzuteilen, woran du gerade arbeitest. Warum ist diese Transparenz für dich so wichtig?

Arcangel: In gewisser Weise bin ich ziemlich isoliert und abgelegen, da ich in Norwegen lebe. Aber ich bin auch ein Enthusiast der zeitgenössischen Kunst – ich mag das ganze Spiel und vor allem das, was hinter den Kulissen passiert. Wie sieht das Atelier meines Lieblingskünstlers aus, wie ist seine Infrastruktur, was macht er um 2 Uhr nachts, wie wird das Zeug eigentlich hergestellt?      
Mein Are.na-Kanal ist eine Art Licht, um zu zeigen, wie meine Kunstwerke entstehen. Im Gegensatz zu Musik oder Comedy gibt es nur sehr wenig Literatur, Presse oder Podcasts, die einen Blick hinter die Kulissen der zeitgenössischen Kunstindustrie gewähren. Es ist also gewissermaßen ein Rätsel für die Leute. Und da ich keine Kunstausbildung hatte, ärgerte ich mich, als ich anfing, dass ich nicht herausfinden konnte, wie das alles funktioniert. Wie macht man eine Ausstellung, woher weiß man, wann etwas fertig ist? All das war mir ein völliges Rätsel. Deshalb gefällt mir die Vorstellung, dass es da draußen vielleicht eine junge Person gibt, die diese Hilfe gebrauchen kann.

Schellmann: Historisch gesehen sind Editionen die demokratischere, zugänglichere Version von einzigartigen Kunstwerken. Wie passt das zu deiner künstlerischen Praxis? Was sind deine Gedanken zu diesem Medium?

Arcangel: Definitiv, dass ich noch nicht genug gemacht habe, das wäre mein erster Gedanke. Als ich jünger war, habe ich viele Poster über meine Website verkauft, also war das schon immer ein Teil meiner Praxis, und ich mochte schon immer die Idee, dass die Leute einfach auf eine Website gehen und etwas kaufen können. Vor Corona hatte ich Arcangel Surfware, das auch Editionen herausgab, und ein paar Jahre lang einen IRL-Laden (IRL steht für "in real life", deutsch: "im richtigen Leben", Anm. d. Red.) in Stavanger. 
Was mich in letzter Zeit begeistert hat, war die Website von ars publicata – selbst diese Informationen waren irgendwie geheim, also ist es aufregend, so etwas zu sehen. Und dann sah ich mein Profil und dachte, dass ich mehr tun muss, um es zu erweitern!

Die Photoshop-Serie war bisher eine High-End-Serie, somit dachte ich, es wäre eine gute Idee, eine Edition davon zu machen, damit auch andere Leute die Chance haben, sie zu bekommen. Jetzt, wo die Serie zum Abschluss kommt, ist es ein guter Zeitpunkt, sie als Edition zu veröffentlichen. Jörg ist mir so lange hinterhergelaufen – er war so sanft und geduldig – dass ich glaube, es hat insgesamt 10 Jahre gedauert, bis wir das geschafft haben. Aber am Ende von Corona habe ich ihn in München besucht, und es hat so viel Spaß gemacht, eure Räume mit all den verrückten Kunstwerken zu sehen und dieses Editionsprojekt zu diskutieren und zu starten. Es war aufregend zu sehen, wie es sich auf diese Weise entwickelt hat, wenn die Zeit richtig ist und der Wind sanft in die richtige Richtung weht. Und natürlich hattet ihr alle das Know-how, um einen Weg zu finden, ein digitales Bild perfekt auf einen Spiegel zu drucken!
  

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