Liam Gillick
kuratiert von Pauline Schellmann

Schellmann Arts 17-jährige Zusammenarbeit mit Liam Gillick umfasst eine Vielzahl von Arbeiten, darunter Grafiken, Wandinstallationen, Aluminiumobjekte und sogar Möbel. Während wir die Veröffentlichung seiner neuesten Editionen vorbereiteten – zwei separate Serien von Wandobjekten aus Aluminium, Replicated Revision und Equal Quarters – und der Künstler seine neue Ausstellung im Pergamonmuseum Berlin vorbereitete, unterhielten wir uns über seine künstlerische Praxis als Ganzes, seine Beziehung zum Medium der Editionen und reflektierten über fast zwei Jahrzente gemeinsamer Arbeit. 

“Replicated Revision ist wahrscheinlich eine der minimalistischsten Arbeiten, die ich je gemacht habe. Revision bedeutet, dass man etwas, das man bereits bearbeitet hat, überprüft, überarbeitet, verändert und sich die Informationen noch einmal ansieht. Wie in der Schule geht man bei der Revision seine Notizen durch, um zu sehen, was man verstanden hat. Und genau darum geht es bei dieser Arbeit."
Der Künstler erklärt, dass er sich auf eine Arbeit bezieht, die er Mitte der 1990er Jahre für eine Ausstellung bei Esther Schipper Berlin geschaffen hat: „Für diese Ausstellung wollte ich eine abstrakte Idee zum Ausdruck bringen, die mit Diskurs und Austausch zu tun hat, ohne didaktisch zu sein, ohne sie aufzuschreiben, ohne sie zu beschreiben. Ich wollte einfach etwas machen, das die Bedingungen für Diskurs und Austausch schafft. Also ging ich in einen deutschen Baumarkt und kaufte kleine Stücke von Aluminiumwinkeln und schraubte sie zusammen, um einen Rahmen zu schaffen, den ich dann von der Decke hängte. Wenn man darunter steht, ist es wie ein ausgewiesener Treffpunkt. Es ist ein Ort, der keine Funktion hat, aber er beschreibt den Raum“.

“Replicated Revision sieht aus wie ein elegantes minimalistisches Kunstwerk, aber in Wirklichkeit nimmt es nur diese Grundform der postmodernen Konstruktion und versucht, etwas damit zu machen, das gerade ausreicht – das ausreicht, um eine Form und eine Farbe mit den geringstmöglichen Mitteln zu artikulieren. Aber es ist kein Minimalismus, es ist fast noch ein Schritt weiter, weil es nicht rein ist. Es ist seltsam, denn ich habe das nie in einer Ausstellung auf so direkte Weise gemacht. Aber mit Jörg [Anm. d. Red.: Schellmann] kann ich das machen, weil ich die Arbeiten, die ich für ihn mache, irgendwie immer im Zusammenhang mit all den anderen Sachen sehe, die er gemacht hat, und ich denke über sie in Bezug auf diese Geschichte nach.“

Der Künstler erzählt, dass er das Medium der Editionen schon immer schätzte und kannte, sich sogar als Student darauf bezog und seine eigene Jenny Holzer Edition für nur 100 USD kaufte, als er jünger war. Ihm gefällt die sozioökonomische Positionierung von Editionen, die es mehr Menschen ermöglicht, sich mit Kunstwerken auseinanderzusetzen und Zugang zu ihnen zu erhalten. 
Liam Gillicks Interesse gilt der Produktion, nicht dem Konsum. Die Vorstellung, dass sich seine Editionen von seinen so genannten Unikaten stark unterscheiden, ist für ihn altmodisch. „Es gibt keinen wirklichen Unterschied, abgesehen von der Tatsache, dass es mehr davon gibt“. 
Der Künstler hinterfragt gerne Preise, Status und Wert und stellt diese auf den Kopf: „Für mich ist das ein bewusster Akt.“

„Bei der Arbeit mit euch und der Herstellung all dieser Editionen gibt es zwei Möglichkeiten: Entweder experimentiere ich, probiere etwas Neues aus, das mit etwas anderem zusammenhängt, aber auch eine Weiterentwicklung von etwas ist, oder – und das ist bei den neuen Werken der Fall – ich benutze es, um eine Aussage zu treffen. Ich kehre zu den Grundprinzipien zurück.“ Der Künstler fährt fort: „Der Status der Objekte, wenn sie produziert werden, und ihr Platz in dieser Art von Künstler- und Editionsbibel erlaubt es ihnen, sich von den normalen Kontrollsystemen einer Galerie oder eines Museums zu lösen. Sie kehren zu den grundlegenden Prinzipien zurück, ohne den Druck, dass es sich um eine ganze Ausstellung, ein ganzes Projekt handelt. Das bedeutet, dass die Werke sehr grundlegend sein können und meine Wünsche wirklich neu formulieren.“
Auf meine Frage, was er mit „Künstler- und Editionsbibel“ meint, erklärt er, dass er sich, wenn er mit Schellmann Art an einer Edition arbeitet, der Künstler, mit denen wir zusammengearbeitet haben und deren Werke in unserem Werkverzeichnis neben seinen eigenen Arbeiten dokumentiert sind, sehr bewusst ist. „Dadurch entsteht eine interessante Beziehung zu Künstlern, die man nicht treffen kann, mit denen man aber irgendwie verbunden ist“, sagt er.

Im Rückblick auf seine Zusammenarbeit mit Schellmann Art erklärt der Künstler, dass er zwar schon immer vom Konzept der Editionen und ihrem „Zwischenstatus“ fasziniert war, bei dem sie „als voll funktionsfähige Kunstwerke fungieren und dennoch in dieser multiplen Form existieren“, aber er schätzte Jörgs Ansatz, Künstler zu ermutigen, Editionen zu schaffen, die ontologisch so nah wie möglich an ihren anderen Werken sind. „Die Donald Judd-Editionen sind tatsächlich Donald Judds, sie unterscheiden sich nur leicht von seinen Unikaten. Das wirkt sich auf die Bedeutung aus. Ich bin mir nicht ganz sicher wie, aber es ist einfach so.“ 
Er hält inne, bevor er ausführt, dass erschwingliche Grafiken zwar parallel, aber völlig getrennt von den so genannten Unikaten existieren können, während Editionen, die den Hauptwerken des Künstlers näher kommen, die konventionelle Grenze zwischen dem Status des Unikats und der Kunstedition verwischen können. Er scherzt: „Ich denke, in gewisser Weise hat Schellmann das traditionelle Verständnis von Bedeutung und Wert durchbrochen. Das sollte euer neues Firmenmotto sein: Disrupting meaning and value since 1969."