Dualität – Table und Tableau

J  O  H  N    A  R  M  L  E  D  E  R

Für Untitled (Thonet) destilliert John Armleder sein charakteristisches Punktmotiv zu einer eleganten, industriell gefertigten Oberfläche, die gleichermaßen als Tisch oder Tableau erscheinen kann. In Schwarz-auf-Weiß- bzw. Weiß-auf-Schwarz-HPL ausgeführt, verwandelt die Arbeit serielle Muster in ein anpassungsfähiges Feld, das je nach Ausrichtung und Verwendung seinen Charakter verändert. Sein Raster aus präzise gesetzten Kreisen evoziert die Geschichte des Minimalismus und der geometrischen Abstraktion, doch verschieben sich diese Bezüge hier mühelos in die Sprache von Möbeln, Dekor und Alltagskultur. In dieser Übersetzung vom malerischen Gestus zur industriellen HPL-Oberfläche betont Armleder die produktive Spannung zwischen Objekt und Bild, Einzigartigkeit und Wiederholung – und bietet einen prägnanten Blick darauf, wie Kunst die Räume, die sie betritt, bewohnen und neu definieren kann.

In dieser verwandten Leinwandarbeit setzt sich Armleder mit seinem emblematischen Punktmotiv über die Direktheit von Acryl auf Leinwand auseinander. In zwei chromatischen Varianten – Weiß auf Gold und Gold auf Weiß – präsentiert, greifen die Kompositionen die Umkehrungen und die serielle Logik seines HPL-Werks auf, bieten jedoch eine deutlich andere Erfahrung. Die handgemalte Oberfläche erzeugt eine subtile Vibration, die das Werk von industrieller Präzision hin zu einem stärker malerischen Ausdruck verschiebt und die Farbe eher als Atmosphäre denn als reine Oberfläche betont. Im Dialog mit seinem HPL-Gegenstück unterstreicht die Leinwand Armleders fließenden Wechsel zwischen Medien und Produktionsweisen, verweist zugleich auf die Traditionen des Minimalismus und des Dekorativen und lädt dazu ein, die Rolle des Materials für das Sehen neu zu bedenken.

D  A  N  I  E  L    B  U  R  E  N

Daniel Buren erweitert das Konzept von Table Tableau vom einzelnen hybriden Objekt zu einem dynamischen, ortsbezogenen System. Da er die Gattung des „Gemäldes“ grundsätzlich ablehnt und stattdessen Werke entwickelt, die sich in situ mit ihrem Umfeld verschränken, nutzt Buren die Tischplatte als materielles und strukturelles Element, um das Projekt räumlich zu aktivieren. Sein Beitrag entfaltet sich in zwei Formaten: einer Wandinstallation und einer Reihe einzelner Tischplatten. Durchgehend begreift Buren Kontext und Architektur als integrale Bestandteile seiner Arbeit und verwendet sein charakteristisches 8,7-cm-Streifenmotiv, um zu untersuchen, wie visuelle Strukturen Wahrnehmung formen.

Für die Wandinstallation werden drei HPL-Tischplatten – jeweils durch ein eigenes geometrisches Motiv und eine RAL-definierte Farbgebung charakterisiert – innerhalb eines sichtbar gezeichneten Rasters montiert. Ihre Positionen lassen sich in beliebiger horizontaler Ausrichtung und Konfiguration bestimmen und eröffnen so räumliches Spiel und interpretative Offenheit. Das Raster fungiert als Rahmen wie als Feld und verbindet Wand, Oberfläche und Objekt zu einer gemeinsamen visuellen Ebene. Durch die Verschiebung vom potenziellen Möbelstück zur modularen Wandkomposition rückt die Arbeit die Bedingtheit der Präsentation in den Vordergrund und verdeutlicht, wie Platzierung und Ausrichtung Bedeutung aktiv formen.

Diese Fragestellung setzt sich in den für Table Tableau konzipierten Tischplatten fort, die Burens formale Sprache in den Bereich des Gebrauchs überführen. Jede HPL-beschichtete Platte weist eine eigene geometrische Konfiguration und Farbgebung auf und verwandelt die horizontale Fläche in ein Bildfeld. Obwohl sie zur Nutzung auf Böcken gedacht sind, bewahren diese Arbeiten die Klarheit und Strenge von Burens visueller Sprache – insbesondere der präzisen Streifen, die zugleich als Struktur und Zeichen fungieren. In Dialog mit der Wandinstallation zeigen die Tischplatten, wie Kontext Wahrnehmung lenkt und wie sich die Arbeiten mühelos zwischen Möbel, Bild und Architektur bewegen.

P  E  T  E  R    H  A  L  L  E  Y

Peter Halley erforscht seit den 1980er-Jahren die visuelle Sprache moderner Systeme durch seine charakteristische Geometrie aus Cells und Conduits. Diese Formen dienen als Metaphern für die Netzwerke und Einschließungen, die sozialen und architektonischen Raum prägen, und kartieren zugleich Verbindung und Isolation innerhalb gebauter Umgebungen.

Weitere Beispiele für Halley’s langjährige Auseinandersetzung mit Cells und Conduits:

Für Table Tableau überträgt Halley dieses geometrische Vokabular auf das hybride Format, das Kunstwerk und Gebrauchsobjekt miteinander verbindet. Die ineinandergreifenden Bahnen, die die Oberfläche von Serpentine Table durchziehen, greifen seine markanten Strukturen auf – abstrakte Systeme, die Bewegung und Begrenzung gleichermaßen artikulieren. In Malvenpink oder Grau als HPL ausgeführt, bewahrt die Komposition Halleys charakteristische Klarheit und schlägt zugleich einen unmittelbareren Dialog mit dem alltäglichen Raum vor. Ob auf Böcken platziert oder an der Wand präsentiert – die Arbeit führt Halleys Untersuchung der Schnittstellen von Struktur, System und sozialem Raum fort und lädt dazu ein, neu zu bedenken, wie ein Bild funktionieren kann und wohin es gehören mag.

K  E  I  T  H    H  A  R  I  N  G

Diese Tischplatte übersetzt eine von Keith Harings ikonischen Allover-Kompositionen in eine lebendige, nutzbare Oberfläche. Das dichte Netzwerk ineinandergreifender Linien und Figuren – in markantem Schwarz und Weiß ausgeführt – transportiert die Unmittelbarkeit und den grafischen Puls, die Harings Bildsprache prägen. Durch die Überführung vom Gemälde ins HPL gelangen seine energiegeladenen Formen in den Alltag und knüpfen an Harings langjährige Verpflichtung zu Zugänglichkeit und zur Verbindung von Kunst und Alltagsleben an. Als funktionales Objekt und zugleich als Bildfeld unterstreicht die Tischplatte Harings Überzeugung, dass Kunst sich frei zwischen Kontexten bewegen kann und überall offene Begegnungen ermöglicht.

A  N  I  S  H    K  A  P  O  O  R

Mit Fold überführt Anish Kapoor eine seiner charakteristischen räumlichen Illusionen in das hybride Format von Table Tableau. Ein strahlendes Farbgradient von Gelb zu tiefem Rot scheint in die Oberfläche einzusinken und erzeugt eine optische Falte, die Tiefe und Innerlichkeit evoziert. Diese subtile, zugleich kraftvolle Farbwirkung belebt die Platte sowohl horizontal auf Böcken als auch als Wandobjekt und lädt dazu ein, über die Instabilität von Oberfläche und Wahrnehmung nachzudenken. Im Wechselspiel zwischen Objekt und Bild, Gebrauch und Kunstwerk erweitert Fold Kapoors Erforschung immaterieller Räume – dort, wo das Sichtbare sich stets zu einem Dahinter öffnet.

J  O  S  E  P  H    K  O  S  U  T  H

Als Pionier der Konzeptkunst untersucht Joseph Kosuth seit mehr als fünf Jahrzehnten die Strukturen, durch die Bedeutung entsteht. Seine Praxis rückt die Sprache als Medium und Sujet gleichermaßen ins Zentrum und befragt das Verhältnis zwischen Worten, Objekten und Ideen. Diese Linie des Denkens verdichtete sich in den wegweisenden Arbeiten seiner One and Three-Serie aus den mittleren 1960er-Jahren, in denen ein Objekt gemeinsam mit seiner fotografischen Darstellung und seiner Wörterbuchdefinition präsentiert wurde.

Diese Methodik überträgt Kosuth im Rahmen von Table Tableau auf ‘Table, Tabula’ [Table Format] und stellt die Sprache als Kern des Werks heraus. Eine Wörterbuchdefinition des Begriffs „table“ wird präsentiert und durch eine Fotografie der entsprechenden Tischplatte überlagert – eine Anordnung, die direkt auf die konzeptuelle Triangulierung von Objekt, Bild und Text in One and Three verweist. Durch die Überblendung von Darstellung und Referent zeigt die Arbeit auf, wie sprachliche und visuelle Systeme die Bedeutungszuweisung prägen – und zugleich destabilisieren. Horizontal an der Wand präsentiert, reflektiert das Werk darüber, wie Sprache den Alltag strukturiert, und verkörpert zugleich das Paradox eines Kunstwerks, das sowohl von einem Tisch handelt als auch visuell als solcher erscheint.

Die zweite Ausführung, ‘Table, Tabula’ [Table Top], richtet den Fokus ausschließlich auf die sprachliche Ebene. Die Oberfläche zeigt dieselbe Wörterbuchdefinition, verzichtet jedoch auf das fotografische Bild, das in der Wandarbeit erscheint. Zur Verwendung auf Böcken als funktionale Fläche gedacht, bewegt sich die Arbeit in einem Zwischenraum von Objekt und Aussage: Sie verweist zugleich auf den Tisch als physische Stütze und als sprachliche Konstruktion. Diese Verbindung von Gebrauchsgegenstand und Text führt Kosuths grundlegende Untersuchung der Bedeutungsproduktion fort – hier als Tisch, der nicht abbildet, sondern definiert.

S  A  R  A  H    M  O  R  R  I  S

Aggressivity and Thinking überführen die visuelle Logik von Sarah Morris' Sound Graphs in die vertikalen Proportionen von Table Tableau. Streifen und kreisförmige Elemente – basierend auf dem Spektrogramm eines Gesprächs – scheinen über die Oberfläche zu pulsieren und formen eine codierte Abstraktion, die auf zugrunde liegende Strukturen verweist, ohne sie offenzulegen. Die geschichtete Geometrie und die gesättigte Farbpalette erzeugen ein Gefühl von Bewegung und Lebendigkeit und ziehen den Blick in einen Raum, in dem sich Information und Bild überlagern. Indem Morris auf Systeme der Notation anspielt, zugleich aber dezidiert nicht-narrativ bleibt, verwischt sie die Grenzen zwischen Sehen und Verstehen und präsentiert ein Werk, das gleichermaßen analytisch wie sinnlich wirkt.

T  O  B  I  A  S    R  E  H  B  E  R  G  E  R

Mit Not always but better überführt Tobias Rehberger sein Interesse an optischem Spiel und räumlicher Mehrdeutigkeit in das doppelte Format von Tisch und Tableau. Über die Oberfläche breitet sich ein dynamisches Feld aus wiederkehrenden geometrischen Formen und stark kontrastierenden Farben aus, das beim Betrachten einen pulsierenden Effekt erzeugt und sich scheinbar ausdehnt oder zusammenzieht. Dieser instabile Wahrnehmungsraum stellt den Status des Werkes als Gebrauchsobjekt infrage und verwandelt es in einen aktiven Ort sinnlicher Erfahrung. Ob an der Wand präsentiert oder auf Böcken platziert – die Arbeit unterstreicht Rehbergers anhaltende Beschäftigung damit, wie Design, Ornament und Wahrnehmung ineinandergreifen, um die Orientierung des Betrachters herauszufordern.

T  H  O  M  A  S    R  U  F  F

In Zycle (Thonet) überführt Thomas Ruff eine seiner digital erzeugten Linienkompositionen in ein duales Objekt. Ausgehend von Darstellungen des Magnetismus entwickelt Ruff Linienkonfigurationen, die an Planetenbahnen, abstrakte Lineaturen oder musikalische Oszillation erinnern. Feine, schwungvolle Kurven überziehen die Oberfläche und evozieren Bewegungsbahnen in einem angedeuteten dreidimensionalen Raum.
In invertierten Schwarz-auf-Weiß- oder Weiß-auf-Schwarz-Versionen ausgeführt, erweitert die Arbeit Ruffs Auseinandersetzung mit dem Verhältnis zwischen technologischer Bildproduktion und Wahrnehmung, indem sie von der bildschirmbasierten Abstraktion auf eine greifbare, architektonische Ebene übergeht. Ob auf Böcken präsentiert oder horizontal an der Wand montiert – Zycle (Thonet) macht deutlich, wie Kontext und Ausrichtung die Erfahrung eines Bildes prägen.

Weitere Werke aus Ruffs zycles Serie:

R  O  S  E  M  A  R  I  E    T  R  O  C  K  E  L

In DINING Table nähert sich Rosemarie Trockel der Tischplatte als konzeptuellem Diagramm. Spärliche lineare Markierungen geben proportionale Beziehungen an und übersetzen sowohl metrische als auch angloamerikanische Maßeinheiten in visuelle Form. Diese kalibrierten Spuren evozieren einen Raum, in dem Planung, Berechnung und Vorstellungskraft aufeinandertreffen. Zugleich pragmatisch und abstrakt verwandeln diese Notationen die Platte in ein Feld potenzieller Handlungen, anstatt ein fixes Bild zu erzeugen. Der ironische Verweis des Titels auf „DIN“ spielt auf Normierungsprozesse an, doch das Werk entzieht sich einer rein instruktiven Lesart; vielmehr hinterfragt es, wie Maßsysteme sowohl Form als auch Denken strukturieren. Auf Böcken positioniert oder an die Wand gehängt, lädt DINING Table dazu ein, den Schnittpunkt von Ordnung, Gebrauch und künstlerischer Spekulation zu betrachten.

In ihrer Gesamtheit erweitern die Werke von Table Tableau das Verständnis des edierten Kunstwerks. Indem der Tisch sowohl als praktische Oberfläche wie auch als bildnerisches Sujet behandelt wird, erkunden die beteiligten Künstlerinnen und Künstler jene materiellen, sprachlichen und räumlichen Systeme, durch die Bedeutung entsteht. Das Projekt rückt Fragen von Orientierung, Reproduzierbarkeit und Kontext in den Vordergrund und zeigt, wie wechselnde Präsentationsformen neue Interpretationen hervorbringen. Letztlich erscheint der Tisch als Ort der Dualität – als konzeptuelles Scharnier zwischen Funktion und Symbol, Objekt und Bild, dem Häuslichen und dem Institutionellen.